Fotopátračka.cz

Mark Seliger 

Mark Seliger se narodil v Amarillo v Texasu v roce 1959, kde žil se svými rodiči, Mauricem a Carol Lee a svými dvěma staršími bratry a mladší sestrou, až do roku 1964, kdy se přestěhovali do Houstonu. Začal zde v  "Houston's High School for Performing & Visual Arts" a odtud pokračoval na East Texas State University, kde studoval grafiku a fotografii. V roce 1984 se přestěhoval do New Yorku. V roce 1987 začal fotit pro Rolling Stone. V roce 1992 byl jejich hlavní fotograf. Během svého působení v Rolling Stone nafotil Seliger více než 125 obálek a navázal dlouhodobou spolupráci s ředitelem designu Fredem Woodwardem, který pokračoval v jejich práci s GQ. Spolurežírovali řadu hudebních videí pro umělce jako Hole, Lenny Kravitz, Gillian Welch a Elvis Costello. V roce 2001 se Seliger přestěhoval s  Rolling Stone do Condé Nast. Často fotí pro Vanity Fair, Elle, GQ, Italian Vogue, Harper’s Bazaar a German Vogue. V roce 2011 založil neziskový výstavní prostor pro fotografii s názvem "401 Projects", ve kterém se mimo jiné konaly výstavy pro Jamese Nachtweye, Eugena Richardse, Alberta Watsona, Platona. Na kanálu You Tube’s Reserve Channel také moderoval pořad "Capture" nominovaný na Emmy, který se zaměřuje na upřímné rozhovory mezi zavedenými fotografy, jako jsou Platon, Mary Ellen Mark, Martin Schoeller, Bob Gruen atd., a celebritami, které se zajímají o fotografii (Dylan McDermott, Helena Christensen, Judd Apatow). Seliger pokračuje ve své lásce k temné komoře pomocí procesu platiny a palladia k vytváření velkoplošných tisků o rozměrech 30” x 40” a jeho fotografie byly vystaveny v muzeích a galeriích. Vydal řadu knih, včetně: Mark Seliger Photographs (Abrams, 2018), On Christopher Street: Transgender Stories (Rizzoli, 2016), Listen (Rizzoli, 2010), Mark Seliger: The Music Book (teNeues, 2008), In My Stairwell (RizzovitzMark2), Kraliger/ Lenny, 2 2001), Fyziognomie (Bullfinch, 1999) a  Když přišli vzít mého otce – Hlasy z holocaustu (Arkáda, 1996). Seliger je držitelem ocenění, jako jsou: Alfred Eisenstaedt Award, Lucie Award, Clio Grand Prix, Cannes Lions Grand Prix, ASME's a naposledy Texas Medal of Arts Award 2019. Jeho fotografie jsou součástí stálé sbírky Houston Fine Art Museum, stejně jako National Portrait Gallery v Londýně a Smithsonian Institution ve Washingtonu, D.C.

www.youtube.com/watch?v=dWi3FgSe1gs

markseliger.com/

www.youtube.com/watch?v=ucjFWG63BFA

https://www.vanityfair.com/hollywood/photos/seliger-2024-vf-oscar-party-portraits?srsltid=AfmBOorbOnxXjsbGbm46lI-XHuC9_oLtdyNft5a_Nb_DKyJU4qQ4DAPc

Terry O'Neil 

Terry O'Neill je britský fotograf známý svou osobitou estetikou snímků a upřímnými portréty celebrit. O’Neill se narodil 30. července 1938 v Londýně v Anglii a svou kariéru zahájil jako komerční fotograf v The Daily Sketch. Jeho portréty osobností veřejného života – včetně Rolling Stones, Beatles a členů britské královské rodiny – byly známé svou neposednou, intimní povahou a O’Neill se v 60. letech brzy proslavil. Jeho vztah s Faye Dunawayovou vyústil v některé z nejikoničtějších fotografií americké herečky, včetně nezapomenutelné série snímků Dunawayové ráno, po jejím vítězství v Akademii pro nejlepší herečku v roce 1977. Spolu s fotografy Terencem Donovanem, Davidem Baileym a Patrickem Lichfieldem se O’Neillova   módní fotografie a fotografie celebrit zasloužila o to, že "definoval můj kolektivní obraz a Swing" v Londýně. V roce 2011 mu byla udělena medaile Royal Photographic Society’s Centenary Medal.

Reakce na Christian: GIAN PAOLO  B ARBIERI

Jo, tohle byl i můj oblíbený fotograf :-(

GIAN PAOLO BARBIERI

Gian Paolo bArbieri

Barbieri se narodil v Miláně v roce 1935 a své dovednosti s fotoaparátem poprvé získal ve skladu svého otce. 

Gian Paolo Barbieri nebo Giampaolo Barbieri (1935 – 17. prosince 2024) se narodil na Via Mazzini v Miláně kde jeho otec vlastnil obchodní dům a byl velkoobchodníkem s látkami. V polovině 50. let vystupoval v amatérském dramatu a se svými přáteli vytvořil "The Trio", divadelní soubor. Barbieri také hrál ve filmu Luchina Viscontiho- Medea. Od mala byl ovlivněn kinematografií a v 60 letech fotografoval modelky v Římě, jako součást společenské scény, která byla zobrazena ve filmu Federica Felliniho La Dolce Vita z roku 1960.Fotograf samouk, jeho první profesionální prací bylo vyučení u fotografa z Harper's Bazaar Toma Kublina. V roce 1963 Barbieriho fotografie byly publikovány v italském módním časopise Novità, který se v roce 1965 stal Vogue Italia. Barbieri také fotil pro americké a francouzské vydání Vogue.

Role módního redaktora nebyla v 60. letech plně vytvořena a Barbieri tak musel pro své fotografie najít to nejlepší prostředí a vytvořit účesy, make-up a šperky. To by mohlo vést k použití neobvyklých materiálů, pozoruhodným příkladem jsou náušnice vyrobené s míčky na stolní tenis malované v perleťové barvě.  Barbieri otevřel své vlastní studio v Miláně v roce 1964 a o několik let později začal úzce spolupracovat s návrháři konfekce. Jeho tvůrčí vztah s Walterem Albinim vedl k uznání role stylisty a Barbieri a módní návrhář Valentino byli zodpovědní za inovace v reklamních kampaních moderní módy. Mezi pozoruhodné modely, které Barbieri fotografoval, patří Mirella Petteni, Jerry Hall, Veruschka, Monica Bellucci a Audrey Hepburn. Barbieri pracoval pro módní návrháře Armaniho, Versaceho a Ferrého a Dolce & Gabbana, Pomellato a Giuseppe Zanotti. V 90. letech se Barbieri stal cestovatelským fotografem. Kurátorem výstavy Barbieriho prací byl anglický módní fotograf David Bailey, vystavená ve Victoria and Albert Museum v Londýně a Kunstforum ve Vídni. Barbieri fotografoval analogově a své snímky neretušoval. Jedním z jeho raných fotoaparátů byl Reflex Voigtländer 35mm. V roce 1968 mu byla udělena cena Biancamano jako nejlepší italský fotograf a v roce 1978 byl německým časopisem Stern jmenován jedním ze 14 nejlepších mezinárodních módních fotografů. Barbieri zemřel v Miláně dne 17. prosince 2024 ve věku 89 let.

www.elle.com/it/magazine/arte/a42011410/gian-paolo-barbieri-fotografo/

29artsinprogress.com/wp-content/uploads/2015/03/Catalogo-Barbieri-Singapore-bassa-risoluzione.pdf

www.youtube.com/watch?v=AIu4240F94k

RUSSELL JAMES

James Russell se narodil v Západní Austrálii a většinu svého dětství strávil stěhováním z města do města kvůli otci z dělnické třídy. Poté, co ve 14 letech opustil školu, dostal Russell svou první práci v továrně na odpadkové koše. Poté, co pracoval v továrně, zastával Russell několik zvláštních zaměstnání, aby si vydělal, než se stal policistou, což trvalo několik let. Po cestě do Japonska a Švédska Russell přijel v roce 1989 do Spojených států. Tady se dostal poprvé do temné komory a stal se asistentem 

Russell James se nejvíce proslavil svou prací hlavního fotografa pro Victoria's Secret, ale jeho práce se objevily v celé řadě časopisů, včetně Vogue, Sports Illustrated, W, Marie Claire a GQ. James spolupracoval s mnoha celebritami a modelkami, jako jsou Alessandra Ambrósio, Tyra Banks, Kendall Jenner, Gisele Bündchen, Naomi Campbell, Karolína Kurková, Adriana Lima, Michelle Alves, Marisa Miller, Ana Beatriz Barros, Heidi Klum, Angela Lindvall, Fernanda Motta, Oluchi Onweagba, Miranda Kerr, Behati Prinsloo a Erin Wasson.

Russell se několikrát objevil v America's Next Top Model, Australia's Next Top Model a Germany's Next Topmodel jako hostující fotograf nebo porotce.

Russell James byl jedním z dvanácti příjemců Hasselblad Masters Award v roce 2007.

James také režíruje umělecké filmy, hudební videa a televizní reklamy pro Victoria's Secret a Gillette.

russelljames.com

www.youtube.com/watch?v=blWg2DtwfTM

Arthur elgort 

Arthur se narodil v roce 1940 v New Yorku. Jako teenager navštěvoval Stuyvesant High School a poté pokračoval ve studiu malby na Hunter College na Manhattanu, kde začal studovat malbu. Nicméně, poté, co zjistil, že je to osamělá cesta, začal fotografovat. Zpočátku byl ovlivněn celoživotní láskou k hudbě a tanci, která je patrná v jeho osobní i profesní tvorbě.

Na začátku své kariéry pracoval jako asistent Gosty Petersona a byl ovlivněn Petersonovým přirozeným stylem focení, který přispěl k rozvoji jeho ležérního a živého stylu, kterým je dnes dobře známý. Když debutoval v britském Vogue v roce 1971, tak jediným focením vytvořil nejen senzaci, ale zajistil si stálé místo ve světě módní fotografie. Jeho portfolio černobílých snímků modelky hrající si se psem objevilo v britské verzi časopisu a do módní fotografie bylo vloženo něco nového: pohyb.

Arthurův uvolněný a snadný styl fotografování byl závan čerstvého vzduchu ve světě, kde bylo normou bylo inscenované, strnulé studiové focení s modely podobnými manekýnům či zalomeným bambusům bez emocí. Arthur povzbuzoval své subjekty, aby se volně pohybovaly v záběru. Modely, které si vybral, byly živé, byly méně nalíčené a byly prostě vylepšeny přirozeným světlem, které preferoval. Vzít své modely ven do "skutečného světa", kde se nosí a testuje oblečení, které měl vyfotografovat, se stalo podpisem jeho osobního stylu.

Arthur se rychle stal jedním z nejznámějších a nejvíce napodobovaných fotografů na světě. Rizika, která svým fotografickým stylem podstoupil, změnila představu o tom, čím by mohla být módní fotografie a posunula celé odvětví kupředu. Již více než 50 let má Arthur velký vliv, od jeho obálek Vogue až po jeho reklamní kampaně luxusních značek, jeho práce je inspirací. Jeho styl a vliv vytvořily nekonečné možnosti ve světě módní fotografie, kterou dnes nadále zkoumá ze své základny v New Yorku. vysloužila mu uznání za to, že do módních a reklamních obrazů vnesl vzletnost, lehkost a naturalismus. Vyučil se malířem a přešel na fotografii, aby naplnil svou potřebu lidské společnosti. Kromě natáčení světových topmodelek a celebrit se vydal do zákulisí newyorského baletu a jazzových klubů, aby zachytil tanečníky a hudebníky. Elgort svůj improvizační, aktivní přístup připisuje své celoživotní vášni pro jazz a balet, když tvrdí: "Můžete vyfotit nebo můžete udělat obrázek. Mnohem raději to druhé." 

Jeho debut v britském VOGUE v roce 1971 byl okamžitě zaznamenán a vyvolal ve světě módní fotografie senzaci. Elgortova tvorba zaujala Alexandra Libermana z Condé Nast a brzy začal točit pro americký VOGUE. Elgortův ikonický "momentkový" styl a důraz na pohyb a přirozené světlo osvobodily módní fotografii a rychle se stal jedním z nejznámějších a nejpodobnějších fotografů na světě. Jeho dílo ze 70. a 80. let je často považováno za definitivní reprezentaci tehdejšího průmyslu.

V roce 1983 vydal první z několika knih, Personal Fashion Photographs, a později svůj celosvětově nejprodávanější Models Manual během boomu supermodelek v roce 1994 a několik dalších knih následovalo. Retrospektivní knihu jeho díla The Big Picture vydalo nakladatelství Steidl v roce 2014 a v letech 2019 a 2020 vyšly další dvě jeho  knihy.

Kromě statických fotografií je Elgort uznáván také pro svou práci filmaře. Natočil tři filmy včetně Texas Tenor: The Illinois Jacquet Story a dokumentární film Colorado Cowboy, který sleduje legendárního kovboje Bruce Forda a získal cenu za nejlepší kameru na filmovém festivalu Sundance v roce 1994.

Arthur Elgort žije v New Yorku a jeho práce se nadále objevují v publikacích Condé Nast po celém světě, kromě reklamních kampaní pro klienty jako Chanel, Valentino a Yves St. Laurent. Elgortovy fotografie byly vystaveny mimo jiné v Metropolitan Museum of Art v New Yorku, The Getty Center v Los Angeles, The Detroit Institute of Arts v Michiganu a Victoria & Albert Museum v Londýně.

www.arthurelgort.com

www.youtube.com/watch?v=PVxYGVwc57c

SHomei Tomatsu

Shomei Tomatsu, který zemřel ve věku 82 let, byl nejvlivnějším japonským fotografem poválečné éry. Jeho syrový, zrnitý a impresionistický styl signalizoval dramatický rozchod s tichým formalismem, který definoval dřívější japonskou fotografii a ovlivnil mnoho mladších fotografů, včetně jeho přítele Daida Moriyamy, kontroverzního Nobuyoshi Arakiho. 

Nejznámější Tomatsuova fotografie je Melted Bottle, Nagasaki, 1961. Na první pohled vypadá jako zvíře stažené z kůže, ale je to pivní láhev, kterou intenzivní žár jaderného výbuchu, který 9. srpna 1945 zdevastoval Nagasaki, vykreslil groteskně a svalnatě. Na láhev a další pozůstatky atomového výbuchu narazil v místním muzeu, když byl pověřen fotografováním rekonstrukce města.

To, co Tomatsu našel na svých toulkách po Nagasaki, ho přimělo přehodnotit svůj postoj k historii své země i k fotografii. V zrnitých, monochromatických tónech střílel rozbité mramorové anděly na pozemku křesťanského kostela a prasklé náramkové hodinky, jejichž ručičky zmrzly v 11:02, přesný čas jaderné detonace. Pořídil také portréty přeživších, jejichž tváře byly zjizvené bombou.

Surreálná a zneklidňující síla obrazu roztavené lahve vyvolala téměř nepředstavitelnou hrůzu okamžiku a zavedla ho do prostoru za reportáží či dokument. Později americký fotograf a spisovatel Leo Rubinfien popsal Tomatsuovy snímky z Nagasaki jako "smutná, vyčerpaná fakta" a poznamenal, že "pod povrchem byl smutek tak velký, že jakýkoli zjevný projev sympatie by byl urážkou".

Tomatsu se narodil v Nagoji a dospěl v japonských bouřlivých, sebezpytujících poválečných letech. Začínal jako tradiční fotoreportér na počátku 50. let, ale zjistil, že ho intuitivně přitahuje intimní a každodenní. Jak později řekl Szarkowski, Tomatsu měl v úmyslu "znovuobjevit a znovu vyjádřit, v současných termínech, specificky japonské citlivosti". V roce 1958, ačkoli toužil ukázat, co viděl jako plíživou amerikanizaci své země, začal fotografovat americké vojáky umístěné na vojenských základnách po celém Japonsku. Ve své knize The Pencil of the Sun (1975) napsal: "Bylo to, jako by Amerika prosakovala mezerami v drátěných plotech obklopujících základny a časem promočila celou zemi."

Při fotografování Američanů se však Tomatsuův postoj k nim stal složitějším, dokonce rozporuplným, a později řekl, že prožíval "složitou směs ošklivosti a úcty, určitou milou nostalgii". Povahově outsider se přistihl, že se stýká se svými často extrovertními americkými poddanými, kteří byli s jeho fotoaparátem v pohodě. Nakonec produkoval sérii, kterou nazval Chewing Gum and Chocolate. "V roce 1945 byla jeho města zdevastována, Japonsko bylo zaplaveno americkými vojáky," napsal. "Měli jsme hlad a házeli nám čokoládu a žvýkačky. To byla Amerika. V dobrém i zlém, tak jsem se setkal s Amerikou."

Série byla záměrně impresionistická, dokonce poetická, její základní významy, kulturní i politické, spíše naznačovaly, než aby byly vysvětleny. Řekl mladšímu Moriyamovi, že fotografování je podobné haiku. Na krátkou dobu namířil fotoaparát na zem a zachytil předměty zašlapané do asfaltu nebo zapuštěné do země. Retrospektivní kniha Nippon, vydaná v roce 1967, byla plná dramatických, často protichůdně působících obrazů krajin, svatých mužů, tradičních herců a napůl skrytých artefaktů.

V té době Japonsko pociťovalo otřesy kulturních otřesů mládeže na západě a dvě série, Protest, Tokio a Eros, Tokio, obě z roku 1969, odrážejí tento pocit náhlé, turbulentní společenské změny. První zaznamenává tokijské studentské pouliční protesty té doby v rozmazaném, niterném stylu, zatímco druhá zobrazuje "podzemní město" Shinjuku v centru Tokia, kde prostitutky, tuláci, hippies a umělci žili mimo konvence společnosti. "Ve městě Shinjuku se cítíme ‚svobodní‘, i když je to iluze," napsal v Oh! Shinjuku, která shromáždila dvě série a byla vydána v roce 1969.

Tomatsu později řekl, že viděl mladickou vzpouru té doby "očima toulavého psa" a není náhodou, že zrnitý obraz toulavého psa definoval přístup Tomatsuova přítele a stylového dědice Moriyamy. Moriyama je aktuálně na výstavě v Tate Modern a Tomatsu byl na výstavě v Barbican v rámci skupinové show Everything Is Moving, která skončila 13. ledna. Ačkoli nebyl o moc starší než Moriyama a Takuma Nakahira, kteří byli hybnou silou avantgardního a antiestablishmentového fotografického hnutí Provoke v Japonsku na konci 60. let, byl Tomatsu zpočátku považován za jednu ze zavedených postav, proti kterým reagovali. Výstavu PROVOKE bylo možné vidět ve Vídni 2016,- https://www.albertina.at/en/exhibitions/provoke/ . Nyní je přijímán jako stylistický a dokonce morální rádce, který byl průkopníkem extrémní subjektivity a niterného přístupu, který povýšil zrnité, rozbité a rozmazané nad formálně krásné. V roce 1974 popsal velký kurátor a kritik John Szarkowski Tomatsu jako "klíčovou postavu nedávné japonské fotografie", jejíž snímky byly "intuitivní reakcí na zkušenost samotného života". V roce 2006 se v Muzeu moderního umění v San Franciscu konala velká retrospektiva jeho díla. Jmenovalo se to Skin of the Nation. Málokterý fotograf se podíval tak zblízka a pronikavě na a pod kůži národa jako Tomatsu, když obrátil svůj fotoaparát na svou vlast. Výsledky zůstávají střídavě překvapivé, znepokojivé a složité, prodchnuté všemi rozpory, které cítil ohledně Japonska, fotografie, sebe sama.

Shomei Tomatsu, narozen 16. ledna 1930 Nagoja; zemřel 14. prosince 2012 Naha- prefektura Okinawa, dospěl v japonských bouřlivých, sebezpytujících poválečných letech. Začínal jako tradiční fotožurnalista samouk na počátku 50. let, ale zjistil, že ho intuitivně přitahuje intimní a každodenní život. V roce 1958, ačkoli toužil ukázat, co viděl jako plíživou amerikanizaci své země, začal fotografovat americké vojáky umístěné na vojenských základnách po celém Japonsku. Uznání přišlo v roce 1959, kdy měl Tomatsu svou první samostatnou výstavu Japonci v Tokiu a obdržel cenu Mainichi Photography Award. Jeho ústřední role ve Vivo, samořízené fotografické agentuře, mu zajistila místo v popředí poválečné japonské fotografie. V roce 1960 Tomatsu zahájil sérii o Nagasaki, aby dokumentoval jeho současný stav pro Japonskou radu proti bombám A a H. Výsledkem bylo společné úsilí s Kenem Domonem a dalšími, Hiroshima-Nagasaki Document 1961. prostřednictvím nakladatelství Shaken a čtvrtletníku Ken, který založil, vydal několik sbírek fotografií, mimo jiné svou knihu Oh! Shinjuku, pojmenované po nákupní čtvrti v centru Tokia. Tato kniha zachycuje vzestup mladého a vzpurného bohemismu, který jako starší outsider viděl – jak se později vyjádřil – "očima toulavého psa". Ta slova se zdají prorocká. Tomatsu byl jedním z velikánů japonské fotografie, proti kterému reagovala mladší generace fotografů, jako Daido Moriyama, který se proslavil koncem 60. let.

Dílo Tomatsu bylo předmětem mnoha samostatných a skupinových výstav v Japonsku i v zahraničí. Zúčastnil se průkopnické výstavy New Japanese Photography v roce 1974 v The Museum of Modern Art v New Yorku a v roce 2011 se v muzeu umění města Nagoya představilo Tomatsu Shomei: " Fotografie, komplexní přehled jeho práce.”  file:///Volumes/Untitled/shomei%20tomatsu/Shomei%20Tomatsu:%20The%20First%20Decade%20·%20SFMOMA.webarchive

Francesco Scavullo

jméno Scavullo je synonymum módy a krásy. Narodil se v New Yorku v roce 1921. Svou cestu začal s fotoaparátem svého otce a už jako dítě se začal zajímat o fotografii. Jako teenager začal fotografovat svou sestru a její přátele pořizováním momentek, přičemž své sestry používal jako modely. Jako by už věděl, že "krása" má být v nějaké podobě jeho životem. Pár let po střední škole už asistoval Horstu P. Horstovi. Sotva vyšel ze střední školy, už vytvořil ve svých devetenácti letech obálku časopisu Seventeen, která mu zajistila smlouvu se Seventeen. Zakázky pak rychle následovaly z Town & Country, Good Housekeeping a Ladies' Home Journal. V roce 1955 začal pracovat v Harper's Bazaar a o deset let později začal fotit pro Cosmopolitan. Jeho portréty zdobily obálky Cosmopolitanu více než třicet let. Vydal několik knih. Jeho dílo je uloženo v soukromých i veřejných sbírkách. Byl mladý a už cestoval rychlostí světla. V 60. letech se téměř usadil na Hasselbladu 500 (C) a používal tento fotoaparát po většinu své kariéry. To a jeden stroboskop. Ve skutečnosti mnoho lidí připisuje celé šílenství "rozptýleného" světla Scavullovi, které trvá dodnes. (deštníky, softboxy, atd.) Pamatujte si, že Richard Avedon v té době ve svém studiu většinou používal světlo z okna.

Bylo by téměř nemožné, aby uplynul měsíc v 70. a 80. letech bez vystavení snímku od Scavulla. Zejména na obálkách Cosmopolitan. Se svými modely byl opravdu dobrý  i s celebritami. Dokonce i nechvalně známé rozvržení nahého Burta Reynoldse! Někdy zapomínáme, že většina těchto snímků byla pořízena fotoaparátem a bez retušování.

Francesco Scavullo byl skutečný mistr, zdobil obálky a stránky nejen Cosmopolitan, ale také Seventeen, Harper’s Bazaar a Rolling Stone. Byl to muž, díky kterému byly "dekolt a větrem ošlehané vlasy" cool. Jeho životní styl Andy Warhol/Studio 54 ztělesňoval všechny extravagance doby. Mohl se bavit s nejlepšími z nich. A ano, jednou byl zatčen za to, že chodil nahý po Park Avenue a držel ceduli požadující, aby se Marilyn Monroe stala patronkou Hollywoodu! Psycho? Možná. Cool? Rozhodně.

 Francesco Scavullo byl mistrem "jednoho světelného zdroje" a pracoval pouze se základním Hassy a objektivem. Jeho práci a osvětlení konečně vážně studují mladí fotografové. Pamatujte, že za jeho vlády byla fotografie módy a krásy v podstatě žánrem považovaným za dodatečný nápad. Francesco Scavullo zemřel v roce 2004 ve věku 82 let, ale stopa, kterou zanechal, je konečně pečlivě studována,...zejména fanoušky jednoho světla, kteří se snaží napodobit vždy jednoduché, ale smyslné dílo, které vytvořil. Jeho kniha "Scavullo o kráse" je nutností pro sběratele a studenty osvětlení.

www.youtube.com/watch?v=HFgVQZ7w-wU&t=1s

https://www.youtube.com/watch?v=eEcso-ZMuYg

https://www.youtube.com/watch?v=4Sg_urgR884

Jedno malé, celkem poučné a krátké videjko v návaznosti na tu debatu v české hospodě o vztazích mezi těmi co fotí a jsou foceni. :-) 

SAM HASKINS

Sam Haskins byl britský fotograf, (narozen 11. listopadu 1926) v Kroonstad,  Jižní Afrika. Vystudoval na "Johannesburg Technical College”-  1945–1948, kde absolvoval všeobecný kurs umění a následně pak nástavbu na fotografii. V letech 1949 až 1951 studoval na London School of Printing and Graphic Arts v Bolt Court, později přejmenované na London College of Printing a nyní na London College of Communication.  Svou kariéru zahájil v Johannesburgu a v roce 1968 se přestěhoval do Londýna, kde studoval fotografii během éry Festivalu Britain v letech 1949-1951. Festival of Britain měl sloužit jako povzbuzení pro britskou veřejnost a měl ukázat historii a kulturní dědictví Spojeného království a britského impéria. Lehkost, kterou Sam vnesl do obsahu svých snímků, byla kombinována s jeho charakteristickou snahou ukázat své modely jako přirozené a skutečné lidi. Samovo jedinečné soustředění a nasazení vytvořily jeden z velkých průkopnických momentů v historii poválečné fotografie s produkcí knihy "Five Girls" v roce 1962. https://sam-haskins-photography.squarespace.com/five-girls Toto průlomové dílo definovalo a osvobozovalo fotografii postav od klišé a vytvořilo z "Five Girls" okamžitý bestseller. Sam na sebe a svou fotografii nastavil neúprosně vysoké standardy zaměřené na kreativitu a prezentaci. Jeho nezaměnitelná oslava života, krásy, smyslnosti a vizuálních nápadů si našla obrovské mezinárodní publikum. "Cowboy Kate", poprvé vydaná v roce 1964, je rozmarný westernový příběh a první kreativní fotografická kniha využívající čisté vizuální vyprávění. Design, móda, fotografie, hudba a filmový průmysl odkazují na 'Cowboy Kate' po mnoho let, což z 'Cowboy Kate' dělá jednu z nejprodávanějších knih o umění všech dob. 'Cowboy Kate' vyhrála " Prix Nadar” v Paříži v roce 1964 a on tak byl zařazen na výstavu 'The Open Book: A History of the Photographic Book from 1878 to the Present' v Mezinárodním centru fotografie v New Yorku v roce 2005. Sam byl mistr studiového a lokačního fotografování a jeden z největších černobílých tiskařů své generace. Jeho obsah byl rozsáhlý, sahal od něžného a hlubokého po náladový a vtipný a odrážel se v jeho díle, od etnické pocty v "African Image" a jeho aktů v "Five Girls", "Kovboj Kate" a "Dívka z listopadu"  k jeho grafickým fotografickým ilustracím v 'Haskins Posters.' V polovině 70. let byl Sam Hoskins "objeven" módním průmyslem, který nevědomky odkazoval na jeho práci po celá desetiletí. Cowboy Kate & Other Stories byla pravděpodobně první knihou, která záměrně zkoumala černobílé fotografické zrno jako médium pro výraz a design obrazu. Ve své době byla velmi vlivná, po celém světě se jí prodalo zhruba milion kopií a v roce 1964 vyhrála Prix Nadar ve Francii. I nadále ovlivňuje současné fotografy, filmaře, módní návrháře a vizážisty." November Girl” obsahovala klíčové obrazové koláže, které tvořily základ mnoha grafických a surrealistických experimentů v 70. a 80. letech. "African Image” byl vizuální poctou původním obyvatelům, kultuře, krajině a divoké zvěři subsaharské Afriky. Snímky představují celoživotní zájem o fotografování graficky podnětných prostředí a formálně dokumentují jeho vášeň pro řemeslo. 

V roce 1968 se Haskins přestěhoval do Londýna a provozoval studio v Glebe Place hned vedle King's Road. Pracoval jako reklamní fotograf pro mezinárodní spotřebitelské značky Asahi Pentax, Bacardi, Cutty Sark whisky, Honda, BMW, Haig whisky, DeBeers, British Airways, Unilever a Zanders a specializoval se na uměleckou režii a focení kalendářů, zejména pro Asahi Pentax. v Japonsku. Přestože na konci 60. a na začátku 70. let na krátkou dobu podporoval Hasselblad, jeho loajalita ke středoformátovému fotoaparátu 6x7 a objektivům od Asahi vyústila ve vzácné dlouhodobé spojení mezi výrobcem fotoaparátů a fotografem. Od roku 1970 do roku 2000 vyrobila společnost Asahi Optical (později Pentax) 30 kalendářů, z nichž Haskins nafotil a umělecky režíroval 15 vydání včetně kalendáře tisíciletí. Žádný jiný fotograf nebyl vyzván, aby přispěl více než jednou. Galerie Pentax Forum v Tokiu, která pořádá jeho výstavy. Jeho první kontakt s Asahi přišel v roce 1967, kdy mu Asahi Optical darovala 35mm kameru poté, co se doslechli, že fotil "African Image” s různými fotoaparáty jejich konkurentů. V roce 1972 vytvořil svou první barevnou knihu Haskins Posters. Haskins úspěšně vydal knihu mezinárodně prostřednictvím své vlastní společnosti Haskins Press. Kniha získala zlatou cenu na New York One Show. V té době se nejznámější obrázek z Haskins Posters, dívčí tvář překrývající jablko se včelou u stopky, objevil na obálce nebo v úvodnících téměř všech velkých fotografických časopisů po celém světě. Tento obrázek byl součástí dobře propagovaného vizuálního a grafického experimentování s jablečnou tématikou v 70. letech 20. století, které na chvíli vyústilo v to, že mu fotografickí novináři přezdívali "Sam the Apple man". Dne 19. září 2009, v den zahájení výstavy Fashion Etcetera v Milk Gallery v New Yorku, utrpěl mrtvici a o devět týdnů později zemřel doma v Bowralu v Austrálii.

vimeo.com/38470281

sam-haskins-photography.squarespace.com

Ještě jedno hezké povídání s Davidem Bailey. Taky nemám moc rád plánování při focení :-) 

Reakce na Christian: A kde ho splašit?- Ten film. Koukám na gůglu a nikde nic, jen ukázky....

Proste a bude vám dáno, hledejte a naleznete. :-) SZ

Reakce na fotograf: Může se vůbec dnešní fotograf přiblížit tomu, co dokázal a zažil? :-) ...

A kde ho splašit?- Ten film. Koukám na gůglu a nikde nic, jen ukázky.

Reakce na Christian: David Bailey  David Bailey (narozen 2. ledna 1938, Londýn, Anglie) Br...

Může se vůbec dnešní fotograf přiblížit tomu, co dokázal a zažil? :-)  Doporučuji dokument David Bailey: Four Beats To The Bar And To Cheating

David Bailey 

David Bailey (narozen 2. ledna 1938, Londýn, Anglie) Britský fotograf a režisér známý svými reklamními, celebritami a módními fotografiemi.

Stal  se ikonickým kronikářem desetiletí se dvěma definujícími portrétními publikacemi David Bailey – Box of pin-ups (1965 ) a Goodbye Baby and Amen (1969). Bailey byl vůdčí postavou londýnské scény Swinging Sixties a poskytl část inspirace pro roli fotografa v Antonioniho kultovním filmu Blow Up (1966). Bailey měl svou první muzejní výstavu v National Portrait Gallery. v roce 1971. 

David Bailey, jehož kariéra ve fotografii ho nakonec přivedla do kontaktu s vysokými vrstvami britské společnosti, pocházel z dělnického prostředí východního Londýna. Vystudoval v Londýně, v mladém věku opustil školu, pracoval v řadě podřadných zaměstnání a v letech 1957–58 sloužil u Royal Air Force v Malajsii. Od mládí se zajímal o malbu a fotografii, v roce 1959 se vyučil v John French Studio, kde se začal se jako asistent věnovat módní fotografii. V roce 1960 začal fotit pro britský Vogue, kde pracoval asi 15 let, nejprve jako štábní a později na volné noze. Na volné noze působil i v jiných časopisech a novinách.

Baileyho módní tvorba a portrétování celebrit, charakterizované ostrým pozadím a dramatickými světelnými efekty, změnily britskou módu a fotografii celebrit z elegantní, ale zdrženlivé stylizace na něco mladistvějšího a přímějšího. Jeho práce odráží britský kulturní trend 60. let 20. století bourání zastaralých a rigidních třídních bariér tím, že do oděvů i uměleckých produktů vnáší dělnický nebo "punkový" pohled. Bailey sám se stal celebritou, která ztělesňovala "swingující Londýn"; byl známý svými aférami s několika slavnými ženami, mezi nimi modelkou Jean Shrimptonovou a herečkou Catherine Deneuveovou, se kterou se oženil v roce 1965 (rozvedený v roce 1972). Předpokládá se, že inspiroval roli fotografa Thomase ve filmu Michelangela Antonioniho Blow-up (1966). www.npg.org.uk/collections/search/person/mp05044/david-bailey

www.youtube.com/watch?v=hZ8YWL-S-gI

Albert  Watson

Watson se narodil 1942 v Edinburghu, ve Skotsku jako syn učitele tělesné výchovy.

 Začal jako matematik, učil jeden a půl roku, následně přešel do továrny na čokoládu kde ochutnával a testoval čokoládu. Pak šel na univerzitu St, Andrews a rozhodl se pro grafický design. Po dvou letech studia grafického designu objevil fotografii a okamžikem kdy objevil fotografii se celý svět pro něj změnil. Musíme si uvědomit, že od malička na jedno oko je slepý.. Fotografií se stal doslova posedlý, zamiloval se do ní. Studuje film a televizi na Royal College of Art, v Londýně, Získal stipendium na studium ve Státech. Když přijel do Států, tak tam znal jen jednoho člověka, který bydlel v LA, který pracoval ve nějaké společnosti s názvem MaxFactor. Zašel za ním s malým portfoliem svých fotografií, ale žádné fotografie žen, takže jako první dostal otázku, kde máš fotografie žen. Odpověděl, že jsou na lodi, která připlouvá, protože ve skutečnosti, žádné neměl. Přítel mu řekl, mám agenturu co patří pod MaxFactor vyber si modelku a pár šatů pro ni, nafoť pár fotek s ní abychom viděli co můžem udělat pro Tebe. Vybral skoro všechny svoje zbylé peníze a nakoupil filmy, a vybral si v agentuře modelku. a fotil ji a jejího kamaráda 12 hodin. V té době už byl ženatý a měl dvě děti, takže to nebyla jednoduchá situace pro něj i rodinu. Po dvou dnech přišel zpátky ke kamarádovi a položil mu na stůl 70 svitků filmů, ten nic neřekl, jen aby počkal, takže Watson zůstal v obavách. Za chvíli se vrátil s tím, že to ukázal pár lidem a má dobrou zprávu, chtějí si koupit fotku z těch snímků. Tomu se odlehlo, protože nevěděl, kde sehnat peníze na papíry a zpracování. Kamarád mu řekl, fajn, dám ti " PO” ( "PíOu " ) což Watson slyšel poprvé v životě a tak ve výtahu "PO” skoro roztrhal. Pak se podíval a zjistil, že mu chtějí zaplatit 150 USD za snímek a celkem 600 USD plus všechny výdaje i se zpracováním, což byly pro něj velké peníze. .  Nevěděl co je to PO. Doma pak jeho žena učitelka se na to podívala a řekla, že je tam nula navíc tedy 1500USD což se jim oběma zdálo nemožné, chyba., protože by to bylo 6000USD za den- v roce 1970. A tak se bál , že když předloží k proplacení 6000USD , tak budou oba deportování zpět do Skotska . Tak se rozhodl, že půjde se zeptat přítele . Když přišel, tak ten mu řekl, mám pro Tebe další dobrou zprávu, další snímky z toho focení si chtějí koupit a k dotazu na cenu mu řekl, teď máme v rozpočtu jen 1500USD za snímek, ale příště už to bude více.  V tom okamžiku si řekl, miluji Ameriku. Tak začala jeho cesta uměním a módou. 1976 získal svou první práci pro Vogue a ve stejném roce se usadil v New Yorku. V roce 2010 mu byla udělena The Royal Photographic Society's Centenary Medal and Honorary Fellowship (HonFRPS) and Královské fotografické společnosti jako uznání trvalého a významného příspěvku k umění fotografie ve světě. Jeho fotografie jsou snad ve všech prestižních galeriích světa, v soukromých sbírkách a jeho přístup k fotografii je více než inspirující. 

Jeanloup Sieff 

Narodil se v Paříži polským rodičům Jeanloup Sieff (1933 - 2000) dostal ke 14. narozeninám fotoaparát . Nedokončil kurzy literatury , žurnalistiky a fotografie na škole Vaugigard v Paříži, a presell na školuVevey ve Švýcarsku, kde absolvoval 7měsíční kurs fotografie. Po návratu domů 1954 se pokusil získat práci v kinematografii, což se nepovedlo, ale zůstal fascinován hvězdami a režiséry; začal fotografovat módní fotografii v Elle v roce 1956 kde začal vnášet prvek erotiky do toho, co bylo dříve většinou vysoce respektovaným uměním. Zpupnost v jeho záběrech vystřídala povýšenost, částečně oblečené modelky natahovaly obnažené paže a ramena nebo nahá záda před kamerou.

V roce 1958 nastoupil do Magnum, což mu umožnilo hodně cestovat. 

Většinu šedesátých let se usadil v New Yorku, pracoval pro Esquire, Harper's Bazaar, Vogue a Elle, kde mimo jiné fotografoval celebrity jako Jane Birkin, Yves Saint-Laurent, Rudolf Nureyev a Alfred Hitchcock. Sieff získal řadu cen včetně Prix Niepce, Chevalier des Arts et Lettres v Paříži v roce 1981 a Grand Prix National de la Photographie v roce 1992 a jeho práce jsou uloženy v mnoha soukromých i mezinárodních sbírkách.

Sieff je ohlašován jako jeden z velkých mezinárodních fotografických talentů posledního půlstoletí a ve své generaci zanechal nepopiratelný otisk. Plodný v mnoha oblastech, rozmanitost jeho snímků podtrhuje jeho široké umění, od módy, aktů, krajiny a portrétu.

S velkou houževnatostí sledoval Sieff osobní a vysoce efektivní charakteristický styl, nasáklý hravou představivostí s nádechem ironie. Ojediněle pracoval v barvách, upřednostňoval disciplínu černé a bílé, často využíval ve svůj prospěch prostorové zkreslení širokoúhlých objektivů, dramatický potenciál stínu a využití tónu.

 Jeanloup Sieffn ás opustil poměrně mladý a změnil úhel pohledu hodně lidí na široúhlý objektiv. Jeho práce se vyznačují silným smyslem pro kompozici , elegantní linie, použití černé a bílé při zdůraznění rozdílných struktur na fotografiích. Jeho fotografie byla hravá a nad rámec tehdejší normy. Naštěstí našel se našel ve fotografii, jinak by skončil u své původní kariéry gigola! J

Není pochyb o tom, že to byla americká a francouzská kinematografie té doby, která výrazně ovlivnila jeho tvorbu. Jeho módní snímky Vogue s širokým úhlem záběru a swingujícím Londýnem 60. let jsou jedny z nejuznávanějších snímků doby, …pravděpodobně ještě více než jeho současníci té doby. Když se ho zeptali na jeho fascinaci tancem, řekl, že se pokoušel zachytit prostor plný pohybu. Sieff se skutečně snažil reprodukovat francouzské umělecké mistry, Rodina, Seurata atd., ve filmu a aplikoval to na svá módní focení.

Fotografie a Politika 60. let

Jeho Death Valley a britské krajinářské fotografie byly považovány za více než dost politické povahy, zvláště když byly začleněny do módní tvorby. Tuto stránku své práce v bouřlivých 60. letech měl ale tendenci zlehčovat.

Do fotografické agentury Magnum nastoupil v roce 1958, byl oceněn při reportáži o smrti papeže Pia XII. Pracoval po celé Evropě, dokud neodešel do New Yorku a začal s Harpers Bazaar, kde se vstoupil do diametrálně odlišného světa módy. Pamatujte, že jeho použití širokoúhlých objektivů v módě a portrétování celebrit bylo v té době přelomové.

Jeho skutečná láska k životu, nejen fotografování, je skutečně dědictvím, které po sobě zanechal Jeanloup Sieff. A je to vidět na jeho práci. ​

jeanloupsieff.com

www.photography-in.berlin/galerie-36-jeanloup-sieff-im-schatten-der-linie/

www.la-photographie-galerie.com/artists/photos-43/sieff.html

Jacques Olivar                                                                                    se narodil v Casablance. Jako mladý šel do letecké školy, aby se stal pilotem letadla. Nesmírná radost, kterou měl z létání s letadly, však neodvrátila jeho vášeň pro fotografii. Začátek jeho fotografické kariéry začal s úspěchem díky jeho fotografické práci na reklamní kampani na punčochy DIM. Za svou práci na této kampani mu byla udělena "První cena" od prestižního "Club des Directeurs Artistiques" (Klub uměleckých ředitelů). V následujících letech získal tuto cenu ještě několikrát. V roce 1984 mu byla také udělena cena "Grand Prix Stratégies" za nejlepší reklamní kampaň roku a také "První cena" od "Art Directors Club" za svou fotografickou práci na Lois Džíny.

V roce 1987 Olivar přešel na módní fotografii, od té doby se jeho práce pravidelně objevují na stránkách nejprestižnějších mezinárodních časopisů jako: British Vogue, Italian Uomo Vogue, Spanish Vogue, French Glamour, German Vogue, Vogue Homme International, French Marie-Claire, italská Marie-Claire, Marie-Claire Bis a Marie-Claire USA.

Spojil také své síly s významnými oděvními návrháři a byl pověřen vytvářením jejich image: Giorgio Armani, Hermès, Comme des Garçons, Céline, Trussardi, Strenesse, Rykiel atd. Emoce, elegance a krása jsou stálými klíčovými prvky, které jsou jádrem fotografických děl Jacquese Olivara.

Propracovanost odrážející se v jeho fotografiích není nikdy arogantní ani nedostupná. Vždy se jedná o kombinaci jednoduchých prvků, které jsou spojeny a výsledkem je krásně harmonický efekt.

Jádrem fotografických děl Jacquese Olivara jsou klíčové prvky emocí, elegance a krásy. Jeho fotografie, věrná svému pojetí lidskosti, je citlivá a její moderní charakter vyplývá z ležérní elegance žen, které fotografuje. Prostřednictvím kombinace jednoduchých prvků jsou Olivarova díla prodchnuta silným smyslem pro sofistikovanost a harmonii.

www.jacquesolivar.com

Andreas H. Bitesnich 

 je považován za jednoho z největších fotografů naší doby. Zejména v oblasti focení aktů patří k nejlepším na světě. Andreas H. Bitesnich se narodil ve Vídni v roce 1964. Po střední škole nastoupil na pozici maloobchodního prodejce. Jeho vášeň pro fotografování začala náhodnou návštěvou Milána, když mu jeho přítel, asistent fotografa, ukázal jeho portfolio černobílých fotografií. Andreas se sám pak naučil příslušné fotografické techniky. V roce 1988 začíná fotit a v roce 1989 se rozhodl skončit s prací maloobchodníka a začíná pracovat jako profesionální fotograf. Inspirován a uchvácen módní fotografií si pořídil svůj první vlastní fotoaparát. Od roku 1989 se věnuje výhradně fotografii a je zastoupen na mnoha skupinových i samostatných výstavách po celém světě v renomovaných galeriích a muzeích. Fotografie na jeho první skupinová výstava v roce 1993 " Photographieren " v galerii Würthle ve Vídni měly velký ohlas . V hromadě cen a ocenění si někteří snad vzpomenou na rok 1998 kdy získal cenu Gustava Klimta za rakouskou kampaň o zvyšování povědomí o AIDS.

Andreasi H. Bitesnichovi se podařilo vyvinout si svůj vlastní jedinečný styl v každém z různých fotografických žánrů, kterým se za posledních 34 let věnoval. Na začátku své kariéry způsobily jeho fotografie aktů senzaci svým sochařským přístupem a dramatickým osvětlením. Bitesnich dovádí svou oslavu krásy a erotismu lidského těla do takových extrémů, že se jeho akty stávají meditací na téma "Forma". Výstava Tension v L.A. představila tak díla z jeho různých sérií aktů a zasadila je do nového kontextu.

V žánru cestovatelské fotografie představuje kniha "Indie" milník ve fotografickém průzkumu jiných kulturních sfér. Andreas se zamýšlí nad konvencemi a klišé historické cestovatelské fotografie a zároveň rozvíjí vlastní vysoce působivý obrazový slovník pro tento žánr. S fotografiemi pořízenými v různých zemích, kam za posledních 34let cestoval, výstava odhalila široké spektrum cestovatelské fotografie Andrease H. Bitesnicha a její význam v jeho tvorbě.

Bitesnichovy portrétní fotografie. podtrhují intenzitu jeho portrétů. V silně grafické estetice Bitesnich reinterpretuje městské krajiny často fotografovaných velkých měst ve vysoce osobním stylu.

www.bitesnich.com/photography/